(Wieso und weshalb ich überhaupt in New York war. Um eins vorweg zunehmen: Ich bin kein Kunsthistoriker, obwohl ich mich für Kunst interessiere, und ich will auch keine fundierte Kritik schreiben, sondern bloß Gedanken und Gefühle mit euch teilen.)

Dark Optimism – was bedeutet das eigentlich? Beim Rundgang durch das Moma PS1 zeigt Matze plötzlich mit dem Finger auf eine Fotografie: “Das Werk da drüben, es funktioniert wie kein zweites als Sinnbild für den dunklen Optimismus, schau!”.  Ich betrachte den abgebildeten Raum mit Fenster-Blick nach draußen, hinter der Scheibe steht eine Katze bewegungslos in der Luft, ohne Boden unter den Füßen. Offensichtlich ist sie aus dem obersten Stock gefallen oder vom Balkon, vielleicht sprang sie auch. Jedenfalls hat sie mittlerweile unsere Etage erreicht –  tödlich wird ihr Aufprall trotzdem nicht enden. Das Foto mit der stürzenden Katze spiegelt wieder, was wir jeden Tag erfahren, erleben oder in den Nachrichten sehen: Scheiße passiert, aber es muss weiter gehen. Matze hat Recht.

“You have a future if you do something. You have to be an activist.” 

- Ein Grundsatz, der für jeden von uns gelten sollte und gleichzeitig als das Motto der Zusammenarbeit zwischen dem Museum of Modern Art und Volkswagen im Rahmen der Gruppenausstellung EXPO1: New York funktioniert.

Alles dreht sich um Kunst, die zum sozialen Konzept wird, darum, wie sie Veränderung schaffen kann: “From art to social practise“.

Es war ein Abend im Oktober, als die Idee dazu geboren wurde. Kurator Klaus Biesenbach und MoMA-Partner-In-Crime VW hatten eigentlich eine Telefonkonferenz zum weiteren Verlauf des Projekts, das vor zwei Jahren beschlossen wurde, angesetzt. Aber daraus wird nichts. Knistern, Knallen, ein seltsames Rauschen im Hörer und draußen ein Himmel, der mithalten kann mit Weltuntergangs-Szenarien aus Hollywood. Es ist der 31. Oktober 2012. Halloween und der Tag, an dem Hurricane Sandy New York verwüsten wird.

Irgendwas muss sich ändern – in der Gesellschaft, aber auch in der Kunst. Den Kunstbegriff weiterdenken, den Betrachter Erfahrungen machen lassen, alle Sinne bedienen und ökologische Nachhaltigkeit in den Fokus stellen – das MoMA wird mit der EXPO1 zum “idealen Museum”.

Meine Highlights

Da ist zum Beispiel Olafur Eliasson, der Eisblöcke aus dem ältesten Gletscher Islands direkt in einen weißen Raum mitten in Queens hat transportieren lassen, der uns mit seiner Arbeit “Your Waste Of Time”  zu ehrfürchtigen Betrachtern eines Stücks Zeitgeschichte macht, uns Kraft und Kälte spüren lässt, aber auch die Vergänglichkeit unseres Dasein, die der Beständigkeit der Natur gegenüber steht.

Geht man den Gang auf der ersten Etage des MoMA PS1 Gebäudes weiter entlang, entdeckt man auf der rechten Seite eine unscheinbare Tür, auf deren Rücken “Meeting” geschrieben steht. Obwohl man nicht weiß, ob das Öffnen erwünscht ist, ob sie überhaupt Teil der Ausstellung ist, lässt sich kaum jemand davon abbringen. Dann die Erleuchtung, oder eher: Komplette Überwältigung. Wärme auf der Nasenspitze, Schattenspiele an der Wand und über uns der quadratische Himmel. James Turrells “Sky Space” macht ihn zu seinem eigenen Kunstwerk indem er ihm einen Rahmen gibt. Es scheint tatsächlich so, als würden wir den Lichtkünstler dringend brauchen. Damit wir die Schönheit der rohen Natur endlich wieder begreifen können.

Das Wasser plätschert eine Etage tiefer. Ein pinker, sich immer zu drehender und von Technik-Schrott umgebener Vibrator wirkt im feuchten Bad wie ein wahnsinnig gewordener Tiger, der unermüdlich seine Kreise zieht. Wie ruhig die Welt damals gewesen sein muss.

Ich erinnere mich wieder an die Stille vom Anfang, an die Arbeiten von Agnes Deyn. 1982 hatte sie mitten in New York ein Kornfeld angelegt, dort wo jetzt Wolkenkratzer bis zum Himmel reichen. Eine Oase im Großstadtchaos, die wir heute mehr gebrauchen könnten denn je.

Die Gruppenausstellung ProBio beschäftigt sich mit dem Fortschritt der Wissenschaft, mit den großen Fragen des 21. Jahrhunderts. Ist das iPhone vielleicht  längst ein selbstständiges Organ, ein Teil unseres Körpers? Spätestens als mein Blick auf den kleinen Reinigungs-Roboter fällt, der angestrengt und pausenlos den Boden poliert, als er sich im Vorhang verheddert und aus Versehen von fremden Füßen getreten wird, weiß ich, worum es hier geht. Ich empfinde Mitleid, ganz so, lege dort ein weinendes Kind vor mir. Dabei ist das kleine Wesen nichtmal ein Wesen, sondern nur ein Kasten ohne Gesicht , ein Produkt der Menschheit, das tut, was man ihm befielt. 

(Weitere Beiträge folgen!) 

Wie das funktioniert, wissen zwei Damen ganz genau: Miuccia Prada und Catherine Martin. Ein Glück, dass Filmemacher Luhrmann bei seiner langjährigen Freundin Fräulein Prada noch einen Gefallen gut hatte, denn so kam es, dass sie sich ohne Widerworte dazu bereit erklärte, die 20er Jahre gemeinsam mit Luhrmanns Ehefrau Catherine modisch auferstehen zu lassen. Das Ergebnis gibt’s derzeit in Soho, New York zu sehen – natürlich im gigantischen Prada Flagshipstore. Ich hab’ natürlich vorbei geschaut und ein paar Bilder mitgebracht:

Was uns beim Betrachten der Kleider und Broschen bewusst wird: Kleidung hatte damals in weitaus größerem Maße vor allem einen Sinn und Zweck: Die mehr als offensichtliche Zurschaustellung des eigenen Standes. Kein Understatement erwünscht also. Ich habe ehrlich gesagt keine Ahnung wie teuer diese Kreationen hier gewesen sein können, aber sicher ist: Verdammt teuer.

“In the (Prada) show, the dress was about light, and in the film it’s about money,” heißt es.

Als ich mit meiner guten Freundin und Büro-Nachbarin Teresa (ArtSchoolVets!) am Samstagmorgen in den Flieger stieg, hatte ich nicht einmal eine Ahnung, wieso. So ein Wochenende im Bett kam mir tatsächlicher attraktiver vor als zwei weitere Tage weit weg von daheim zu sein. Luxusprobleme, meckerte ich mit mir selbst, um mich am Ende doch auf das Abenteuer “eXperYence” einzulassen, das sich das Team hinter Peugeot ausgedacht hatte. Was dahinter steckte, erfuhren wir quasi erst als es so weit war.
Beim Dinner mit internationaler Presse und acht Gängen. Ich weiß nicht genau, was ich da aß, aber es war vegetarisch und lecker, dann wurde ziemlich viel geredet, denn es ging es um Design, neue Zielgruppen und “fashionable cars”. Weil ich so gut wie ausschließlich U Bahn und Fahrrad fahre, war ich dankbar, überhaupt eingeladen worden zu sein und versuchte den Rest des Abends, nicht allzu viel vom Dessert-Wein zu verkosten. Hat Gott sei Dank geklappt, denn sonst hätte ich vielleicht all die wunderbaren Eindrücke am nächsten Tag verpasst:

Was tut man also, wenn man nur wenige Stunden Freizeit in einer der schönsten Städte der Welt zur Verfügung hat? Einfach rausgehen. Typische Sehenswürdigkeiten auslassen. Mit offenen Augen durch die Straßen spazieren und im besten Fall im Bezirk Belleville landen, dem, wenn man so will,  französischen Pendant zu Kreuzberg.

Solltet ihr irgendwann einmal nicht wissen, was ihr mit eurer Zeit anfangen sollt, kratzt euer Geld zusammen und fliegt nach Paris. Unser ultimativer Hotel-Tipp: Das Mama Shelter im 20. Bezirk. Weit weg vom beliebten Zentrum, aber:

“Mama Shelter Paris is located in the 20th arrondissment at 109 rue de Bagnolet 75020 Paris, France. OK, it’s not the centre of the City, but it’s definitely the most diverse, surprising and interesting area and that’s why we love it.”

Seit gestern stimmen wir dieser Selbstaussage voll und ganz zu. Einfach raus aus dem Hotel, rechts entlang und immer weiter geradeaus gehen. Es gibt massenhaft Streetart, verwinkelte Straßen, kleine Läden und interessante Menschen zu entdecken, wirklich. Und spätestens, wenn man sich plötzlich vor einem Isabel Marant Flagship Store wieder findet, weiß man, dass die Gegend bei den Cool Kids von Paris irgendwie beliebt sein muss (Gut, das ist vielleicht etwas übertrieben, aber ganz wirklich und von Herzen: Hier ist es schön! Fahrt dort hin und genießt das Fremdsein, das Entdecken und planlos umher irren).

Beim Dinner dann noch eine schöne Überraschung: Mademoiselle Robot, mit der Sarah und ich zusammen für MCM arbeiten und die mittlerweile eigentlich in London lebt, war auch da – samt Traum-Tasche von Charlotte Olympia:

Tattoo-Zwillinge mit Anna Frost:

Das beste Frühstück im Hotel Shelter, mit obligatorischer Eames-Stuhl-Ausstattung und Schwimmreifen als Deko:

Dann: Belleville!

Die Sonne hab’ ich am Ende sogar auch noch wiedergefunden:

Danke, liebes Peugeot-Team! 

(Instagram: nikejane)

Eine Frau, eine mythische Figur, eine Multitalent und ein scheues Reh. Yoko Ono hat viele Facetten und irgendwie hat man ständig das Gefühl, doch nicht alles über diese Frau und ihr Schaffen zu wissen. Den ersten Gedanken “Frau von John Lennon” schieben wir vorerst galant beiseite, denn allein darauf wollen wir sie hier keinesfalls reduzieren. Aber wer ist diese Frau eigentlich genau und was hat sie über die letzten Jahrzehnte ihres Wirkens gemacht? Die Schirn Kunsthalle in Frankfurt nimmt sich diesen Fragen nun an und kredenzt uns passend zu Yoko Onos 80. Geburtstag eine umfassende Retrospektive, die jeden Bankenstadtbesuch um einiges aufwerten dürfte.

Im Mittelpunkt: der vielfältige Kosmos dieser einflussreiche Künstlerin – darunter charakteristische Werke der vergangenen 60 Jahre und vor allem ihre Konzept-, Film- und Performancekunst, ihre Musik sowie ihre Rolle in der Friedensbewegung und des Feminismus. Rund 100 Objekte, Filme, raumfüllende Installationen, Fotos, Zeichnungen und Textarbeiten sowie ein eigener Musikraum wollen euch die facettenreiche Dame nun einmal genauer vorstellen. Wer allerdings glaubt, die Schirn Kunsthalle schaue nur auf vergangene Werke, der täuscht.

Yoko Ono und John Lennon - War Is Over!, 1969. Billboard installiert am Times Square, New York © Yoko Ono

Yoko Ono - Add Color Painting, 1960/1966. Farbe, Zeitung, Aluminiumfolie auf Leinwand 40 x 40 cm. Collection of the artist © Yoko Ono

Auch eine speziell von Yoko Ono und extra für die Ausstellung entwickelte Installation und Performance “Moving Mountains” darf nicht fehlen und könnte die perfekte Überleitung zur Jetztzeit herstellen.

Wir jedenfalls werden uns dieses andere “Get-Together” mit dieser mythischen Figur nicht entgehen lassen:

Wann?

Yoko Ono - Walking On Thin Ice (video still), 1981 © Yoko Ono

Yoko Ono - Balance Piece, 2010. Installationsansicht “Transparency: Art for Energy,” MACRO, Rome, Italy 2. Juli – 22. August 2010. Foto von Marco Delogu © Courtesy of Yoko Ono

SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT,
Römerberg
D-60311 Frankfurt
DAUER: 15. Februar bis 12. Mai 2013. 

“Die von der Schirn Kunsthalle konzipierte Retrospektive wird anschließend am Louisiana Museum of Modern Art in Humlebæk, in der Kunsthalle Krems sowie am Guggenheim Museum in Bilbao zu sehen sein.”

Alle Bilder: Schirn Kunsthalle Presse.

Eigentlich sind wir ein bisschen spät dran, denn Kidult warf seinen Kurzfilm “Visual Dictatorship” schon vor etwa zwei Monaten ins Netz. Der Graffiti-Künstler gehört, wenn man so will, du den radikaleren seiner Art, stellt sein Handel und die eigene Kunst unter das Motto “Your luxury is our misery, destroy what destroys you” und beschreibt seine Werke als “visuelle Diktatur“. Im gleichnamigen Video wettert der Franzose mit Feuerlöscher und Spraydose gegen das System, gegen Louis Vuitton, YSL, McDonalds, Coca Cola, Shell und etliche andere Vorzeigeunternehmen der westlichen Welt. Die Idee ist gut, aber bedarf es wirklich der offensichtlichsten aller Kritikformen, um an unserem Bewusstsein zu rütteln? “My point is to make paintings useful”, sagt Kidult selbst.

Wo Konsum zum Hobby wird und Luxusartikel zu ultimativen Prestigeobjekten avancieren, helfen Worte oft nicht weiter. Weil niemand zuhören will, weil es einfacher ist, sich taub zu stellen als die Konfrontation mit der realen Welt zu suchen. “Ihr wacht erst auf, wenn Blut fließt”, sagt man. Mit radikalen Bildwelten, weder komplex noch subtil dargestellt, sondern “mitten ins Gesicht” und unmissverständlich kommuniziert, wird im besten Fall die große Masse angesprochen und nicht bloß der winzig kleine denkende Teil der Menschheit. Das simple Übereinanderlegen zweier Bildwelten und einer gemeinsamen Existenz, die der Armut und des Kriegs auf der einen und die des Überflusses auf der anderen Seite, ist am Ende des Tages eben so einfach wie effektvoll. Kidults Waffe ist seine Kunst; mit seinem Kurzfilm erwischt er uns an der Achillesverse, irgendwie. Die Dandys sehen das übrigens ein wenig anders. 

KIDULT ” Visual Dictatorship” from misery on Vimeo.

Gefunden bei DT64.

Wir steuern in rasender Geschwindigkeit auf den Dezember zu, was quasi bedeutet, dass gefühlt schon morgen die erste Adventskerze brennen wird. Und dann ist auch schon Weihnachten – weshalb sich trotz niedriger Temperaturen schon jetzt Schweißperlen auf meiner Stirn sammeln. Weihnachten und ich – eine Hassliebe.

Ein wundervolles Fest ist dieses Weihnachten, keine Frage. Aber eben auch eines, das mit ziemlich viel Stress verknüpft ist. Sofern man sich denn zur Fraktion der leidenschaftlichen Schenker zählt. Denn wenn man ein leidenschaftlicher Schenker ist, dann bereitet einem das Schenken immer ein klein wenig mehr Freude als das Beschenktwerden. Diese Tatsache wiederum geht einher mit ziemlich viel Stress: Wer schenken will, muss zunächst einmal fündig werden. Manchmal stehen wir allerdings gehörig auf dem Schlauch, wenn es um fesche Geschenkideen geht und weil wir unseren Liebsten am liebsten die allerliebsten Geschenke machen, verhält es sich genau mit denen oft am kompliziertesten. Ich sage an dieser Stelle bewusst werbend und voller Überzeugung: Gut, dass es Etsy gibt. Ohne sich auch nur einen Zentimeter bewegen zu müssen, stößt man auf unserem Lieblings-Online-Marktplatz  nämlich zweifelsohne auf die außergewöhnlichsten und schönsten aller Gaben, stimmt wirklich, ich spreche aus Erfahrung. Und um uns schon mal ein wenig auf das, was demnächst noch kommen wird vorzubereiten, hat Etsy zum Pre-Weihnachts-Wichteln geladen. Das Besondere daran: Blogger beschenken Prominente. Wir hatten großes Glück, denn unser Wichtelkind ist niemand geringeres als die dänische Designerin Stine Goya:

Was wir uns für die liebe Stine ausgesucht haben, das seht ihr im Grunde schon dort oben: Einen Kunstdruck, der den passenden Namen “Mary and the circus” trägt (erinnert ihr euch noch an die aktuellen, vom bunten Treiben inspirierten Stine-Kreationen und das dazugehörige Lookbook?). Wir hoffen jetzt natürlich, wohl wissend, dass man sich mit Kunst oder Schmuck Geschenke-technisch auf krassem Glatteis bewegt, dass es ihr ein klein wenig gefällt. Wir würden Mary und den Zirkus jedenfalls ohne kleinstes Zögern willkommen heißen (mehr Kunstdrucke von Cristina B Studio gibt’s hier!). Welche Gedanken wir uns noch gemacht haben, könnt ihr hier nachlesen. Dort seht ihr außerdem, was andere tolle Blogger anderen tollen Prominenten bei Etsy herausgesucht haben.

Nochmal zusammengefasst für alle Faultiere oder Weihnachts-Getümmel-Hasser: Bei Etsy warten über 800.00 Shops aus aller Welt darauf, von euch und uns entdeckt zu werden. Selbstgemachtes gibt’t dort ebenso wie Vintage-Produkte – Sollten wir hier also fündig werden, so lassen wir unser erspartes Geld zumindest auf der guten Seite der Macht, was in diesem Fall bedeutet: Bei unabhängigen Unternehmen und kreativen Köpfen aus allen Himmelsrichtungen. Wort drauf.

Noch mehr Lieblings-Bilder und -Drucke von Cristina B Studio: 

Wenn wir all die bunten Eindrücke vom Karneval in Rio beiseite schieben, die prächtigen Kostüme für einen Moment lang vergessen und die donnernde Musik im Kopf auf lautlos stellen, was bleibt dann noch übrig vom unwirklichen Bild der schillerndsten Stadt Braziliens? – Assoziationsketten, die sich dicht an Erinnerungen zum Film “City of God” vorbei schlängeln und damit recht behalten: Armut, vermüllte Straßen, heruntergekommene Häuser und Tristesse.

Viele Teile Rio de Janeiros sind staubig und grau, das Leben dort hart. Es wäre vermessen zu behaupten, man könne Orte wie diesen in kürzester Zeit von jedem noch so kleinen oder großen Leid befreien, was allerdings noch viel unsinniger wäre: Kapitulation. Zusammen mit HUB Footwear hat sich das Kreativduo Haas&Hahn deshalb auf den Weg in eine der kontrastreichesten Städte Braziliens gemacht – um der Monotonie mit viel Farbe die Stirn zu bieten. Unter dem Motto “Challenge the Obvious” haben die zwei Visionäre damit ein Projekt aus dem Boden gestampft, das vor allem auf Teamgeist setzt: Gemeinsam mit den Bewohnern verwanden sie die Gegend in ein Gesamtkunstwerk. Was uns pathetisch vorkommen mag, funktioniert in der Realität offensichtlich gut: Mit jedem Pinselstrich wird Rio nicht nur schöner, sondern auch sicherer.

Dass Farben Einfluss auf unsere Stimmung haben, ist längst erwiesen. Unwahrscheinlicher erschien uns bisher allerdings deren positive Auswirkung auf ein ganzes Virtel. Vergangene Woche wurden wir jedoch eines Besseren belehrt, denn HUB Footwear lud zum Screeining des ersten Teils der dazugehörigen Doku-Reihe. Wer nicht dabei sein konnte, dem legen wir wir das schnelle Nachholen sehr ans Herz:

‘Challenge the Obvious’ episode one: A day in the life of Haas & Hahn (UK) from HUB Footwear on Vimeo.

30 Minuten lang wurde visuell zwischen Rio und Philadelphia hin und her gesprungen. Denn nicht nur soziale Problemviertel in Rio de Janeiro standen in den vergangenen Monaten auf dem Plan des neiderländischen Zweiergespanns, auch Philadelphia unterzog sich einer Schönheitskur, die durchaus mehr zu beeinflussen vermag als die bloße Hülle. An beiden Orten spielen die Anwohner nämlich die wichtigste Rolle: In den Kreativprozess, der die Auswahl von Farben und Mustern umfasst, waren sie ebenso involviert wie in die Malerarbeiten selbst. Es geht eben auch um Zusammenhalt und das daraus resultierende Gefühl, die Stimmung.

Der farbintensive Kampf gegen die Verelendung in ihrem urbanen Lebensraum wird also nicht nur von Externen geführt, sondern von den Betroffenen selbst. Eine finanzielle Entlohnung für die Arbeit ist außerdem selbstverständlich. Aber wie geht es weiter? Im besten Fall bleiben neue Arbeitsplätze auch noch nach der Fertigstellung gesichert, denn die sozial benachteiligten Viertel könnten schon bald zu Touristenmagneten avancieren. Man arbeitet also an einem langfristigen Ziel, statt nur auf temporäre Veränderungen zu setzen.

Journalist Dre Urham und der audio-visueller Designer sowie Illustrator Jeroen Koolhaas können natürlich keine Wunder vollbringen, aber das Schenken von Optimismus und Hoffnung ist in unseren Augen ein ziemlich großer und guter erster Schritt. Seit 2005 kehren die beiden übrigens immer wieder in die brasilianischen Slums zurück. Was mit einer Dokumentation über Hip Hop in den Favelas von Rio und São Paolo für MTV begann, wurde schnell zum Herzprojekt. Das Ergebnis kennen wir jetzt.

Was aber hat HUB Footwear mit alldem zu tun? Auch hier dreht sich alles um die Verbindung mit der Welt, den Kontakt mit der eigenen Umgebung und das Durchmischen unterschiedlichster Einflüsse: Sport, Straße, Mode und der  Tennis-Background der beiden Gründer Huub van Boeckel und Tim Rompa, die ihrerseits alles unter das Zeichen von ”Challenge the Obvious” stellen.

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Zehn Tage habt ihr noch Zeit, eurem Wien-Trip eine ordentliche Portion Mode einzuhauchen: Reflecting Fashion – die Modeausstellung in Österreichs Hauptstadt, genauer gesagt im mumok, die sich mit der Geschichte der Mode auseinandersetzt und die Wechselseitige Beziehung zwischen ihr und der Kunst visualisiert und mit cleveren Anekdoten und Zitaten stützt.

Mein kleiner Wien-Ausflug bot also die beste Möglichkeit, der Sonderausstellung auf vier Etagen einen Besuch abzustatten und die historische Spurensuche genauer unter die Lupe zu nehmen. Fakt ist: 10 Tage lang habt ihr noch die Chance, die über 300 Werke von Gemälden, Roben, Zeichnungen, Videos und Fotografien der namenhaften Künstler um Joseph Beuys, Giacomo Balla bis Yayoi Kusama zu begutachten, durch die Jahrzehnte zu fliegen und auf wirkliche Kunstwerke zu stoßen. Eines aber würde ich euch empfehlen: Entweder ganz viel Zeit oder eine gute Führung, denn die Zusammenhänge werden oft erst auf den zweiten Blick deutlich und können so viel besser in den Kontext gestellt werden.

Es ist der innovative Umgang mit Materialien und Prints, die in Anlehnung an berühmte Kunsterwerke ihr Revival erleben und das Image der modernen Frau von Damals verändern sollten. Mode versteht sich als klares Ausdrucksmittel und Statement, Begründerinnen stehen im Fokus, ebenso wie das Brechen der Regel für stärkeres Umdenken und eine neue, modische Ära.

Auch die legendären Damen wie Elsa Schiaparelli und Coco Chanel sind für ihr Umdenken gelobt worden und Schiaparellis Dress mit dem berühmten Hummerprint finden wir sogar vor Ort, das sie gemeinsam mit Salcador Dalí entwarf.

Aber auch der Trend zu Kollaborationen zwischen Modeschöpfern und Künstlern bleibt nicht unerwähnt und so treffen wir auf Fotografien von Jürgen Teller oder Werke von Cindy Sherman, die in aufwendigen Inszenierungen unter anderem mit Comme des Garçon oder Balenciaga Projekte umsetzte.

Schritt für Schritt, Jahrzehnt für Jahrzehnt können wir an dieser hübsch aufbereiteten Ausstellung teilnehmen und die ersten Kunst-Ansätze bis hin zu kompletten Umsetzungen künstlerischer Einflüsse beobachten und verstehen lernen.

Eine schöne Ausstellung, die einmal mehr aufzeigt, dass Mode alles andere als oberflächlich und inhaltslos ist und schon immer eine nicht zu unterschätzende Rolle in der Gesellschaft gespielt hat.

Eckdaten:

Noch bis zum 23.09.2012 im mumok Wien
Mo 14–19 Uhr
Di bis So 10–19 Uhr
Do 10–21 Uhr

Wenn man auf einmal eine eigene Wohnung am Hals hat, dann verschieben sich plötzlich Prioritäten und man feilt quasi ständig daran, sich konstant wohl zu fühlen in dieser Mitbewohner-armen Umgebung. Auffällig kompliziert gestaltet sich hierbei die Suche nach passenden Gemälden/Kunstwerken, für die man nicht gleich ein halbes Vermögen auslegen muss. Ich sage euch, ich bin kurz davor zu kapitulieren und gleichzeitig heilfroh, noch lange kein komplettes Haus einrichten müssen.

Das Problem ist nämlich, dass es gar nicht so einfach ist, sich auf einen einzigen Stil festzulegen – und genau so verhält es sich eben auch mit dem, was man da gern an die Wand hängen würde. Ja, was wollen wir denn eigentlich dort hängen haben? Zu viele Möglichkeiten. Zu wenig Meinung. Dann aber erinnerte ich mich an das obige, ziemlich gewitzte Werk von Jan Stevenson. YOU SHOULD PUT SOMETHING REALLY GREAT HERE, heißt es da. Ein gelungener Platzhalter, wie ich finde. Das schreit nach DIY…!

Manchmal, ja da schafft man es einfach, seinen Kopf auszumachen, wenn es um bestimmte Neuigkeiten aus der weiten Welt geht. Der Kopf selektiert eben, ordnet gewisse Dinge in die Schublade “wichtig”, “vielleicht später interessant” oder “nicht so spektakulär” – so geschehen bei der neuesten Kollaboration aus dem Hause Louis Vuitton mit der punkteverliebten Künstlerin Yayoi Kusama, die erst kürzlich in der Tate London ausstellte.

Erst heute, mit dem Entdecken des zweiten Fashion Films aus der Selfridge Schmiede, ist es um uns völlig geschehen: Vielleicht liegt es an dem zuckersüßen Model, an der Art und Weise, wie sie mit uns flirtet, oder vielleicht doch schlicht und ergreifend daran, dass die farbenschöne Punktekollektion wirklich ganz zauberhaft ist? Wir sind jedenfalls froh, dass der Play-Button an diesem Morgen endlich mal gedrückt wurde und denken ernsthaft darüber nach, ein rot/weißes Tuch für’s Haar erstehen zu wollen oder gar für ein Sonnenbrillen-Modell zu sparen. 

Erstes Ergebnis der Kollaboration:

Künstlerkooperationen gehören bei Louis Vuitton zum guten Ton und ein monogrammfernes Design kommt uns bei dem Pariser Modehaus sowieso immer entgegen. Zu präsent ist der Blenderhype der Nuller und zu fest hat sich ein Bildchen eingeschlichen, dass die stereotype LV-Taschenträgerin mitsamt ihrer x Freundinnen beim wahllosen Luxus-Shopping in unserem Kopf skiziiert. Schade eigentlich, denn Louis Vuitton zeigt uns Saison für Saison neue Großartigkeiten, die ob des Taschendesigns dann und wann in Vergessenheit geraten. Nach Takashi Murakami oder Richard Prince ist es eben nun Kusama, die uns seit wenigen Wochen die Kunst zurück aufs Täschchen holen und mittlerweile wahrlich Eindruck schinden.

Die 83jährige, japanische Künstlerin Yayoi Kusama ist und bleibt also eine perfekte Abwechslung für das Traditionsunternehmen – und wer wie wir nicht auf den Sommerzug aufgesprungen ist, der darf gern den verspäteten Ersatzzug mit uns nehmen. Fahrt ihr mit?